El éxito obtenido por la versión multimedia de "Lady Macbeth of Mtsensk", el antecedente de haber hecho junto a Vasiliev una versión de "Romeo y Julieta", en 1999 en Cágliari, también con la orquesta en el medio de la escena pero que desde el punto de vista de la presentación visual y, fundamentalmente, desde el punto de vista acústico (donde los resultados no fueron satisfactorios), llevó al maestro Rostropovich a plantear a la productora la posibilidad de encarar una nueva producción de este espectáculo con mi presencia. Ya que no solamente le había impresionado el resultado visual sino,  que el dispositivo escenográfico con su tratamiento acústico, en la ópera, había permitido el lucimiento sonoro de la orquesta.

  Es así como en junio del 2000 comienzo a trabajar en este ballet, con miras a estrenar a comienzo del 2002.
Confieso que no con pocos miedos. En mis mas de 35 años en la profesión y con mas de 100 espectáculos, era la primera vez que hacía un Shakespeare y era la primera vez que trabajaba para un ballet.  Esto además se sumaba a que iva a compartir "cartel" nada menos que junto a Rostropovich y a Vasiliev dos artistas casi mitológicos de la escena mundial.

El trabajo fue arduo y llevó en total 20 meses con 13 de dedicación full time, interrumpidos en ocasiones de intercalar otros trabajos.

  En todo este tiempo se fueron alternando reuniones de trabajo tanto con Rostropovich como con Vasiliev, "en algún lugar del mundo".   Los aportes invalorables  de Rostropovich, fueron a partir de la concepción musical y los climas sonoros de cada escena, muchas veces su sugerencia 

llegaba hasta el uso de un determinado color en momentos claves.

Con Vasiliev fundamentalmente discutíamos sobre el tratamiento estético de cada momento, lo cuál me llevo a hacer algunas modificaciones y al coreógrafo a readaptar algunas escenas para jugarlas en comunión con las proyecciones. 

  La cuestión es que a 7 meses del estreno ya se tenía el borrador de "armado"  del espectáculo. Un story board con mas de 70 imágenes en 3D que en ocasión del estreno en Buenos Aires de "Lady Macbeth ... " y aprovechando pantallas y equipos instalados, pude ver, junto a Rostropovich, la primera aproximación  en  tamaño real.

  Esto me permitió hacer la primera síntesis y fijar conceptos de eficacia en cuanto al tipo y tratamiento de los diseños.

  El siguiente paso fue trabajar sobre, lo que sería, la base final del espectáculo. Cuatro meses en la preparación, incluido 10 días en Rímini (Italia) donde en laboratorio de "Ideogamma" se procesaron y probaron las técnicas de animación 3D necesarias en varios efectos.

A partir de entonces se realizaron los diseños definitivos, incluyendo variantes a probar y seleccionar en la etapa pre estreno directamente en los ensayos.

  De tal forma se  confeccionaron  185 imágenes fijas y 18 animaciones digitales en alta resolución, material que estuvo listo 15 días antes del estreno.  La selección final, directamente sobre el escenario junto a Vasiliev, llevó a confirmar y finalmente utilizar 94 imágenes y 12 animaciones.

Comparativamente, en la ópera el escenógrafo goza de mayor libertad creativa.  Ya que el público, fundamentalmente, viene a "escuchar" y por lo tanto se corre mucho menor peligro de "distraer" al espectador, por lo contrario, el despliegue visual, bien manejado, colabora a su consentración y a las vivencias emocionales que se quieren transmitir a través de ideas-metáforas.
El ballet, es muy distinto. El público viene a "ver" al bailarín y a la coreografía. Y es justamente la danza, con su abstracción, quien tiene el patrimonio metafórico de la historia.
Por lo tanto, creo, que el papel de la imagen "adjunta" escenográfica (real ó virtual) se debe concentrar teniendo en cuenta "otros" conceptos.
Así como en el teatro de prosa soy partidario de la interpretación (la imágen espacial, al igual que el actor, es un intérprete más) en el caso del ballet mi propuesta se centró bajo el criterio de que es la música la guia rectora. Es decir que la armonía visual hay que buscarla a partir del sonido.
Digo: la imágen debe "bailar", junto a los bailarines, casi diría, con su propia coreografía.

De este modo deben coexistir tres caminos simultaneamente en la concepción de la imagen - espacio:

A.- Lo que podríamos llamar "funcional". El espacio físico escénico donde se desarrolla la danza en cada momento (arriba, abajo, laterales, etc.) . Cuya solución es el "como" se proyecta e ilumina. Como se "inserta" el bailarín en la proyección y fundamentalmente como se acota y valora el espacio luminicamente. El padre de este "camino" es el coreógrafo. Es Vasiliev.

B.- Lo que podríamos llamar "temático". El espacio referencial donde se desarrolla la historia en cada momento. (plaza de Verona, pieza de Julieta, salón de la fiesta, balcón, cripta, etc., en total, en este trabajo, fueron 11 los "temas"). Cuya solución es "donde" , para el público, transcurre la acción.  Donde "los protagonistas", los personajes, juegan las escenas. Quién dicta este "camino", obviamente, es Shakespeare.

C.- Lo que podríamos llamar "sensorial". Es el espacio de los "sentidos" , el significante emocional que marcha junto a la música . Cuya solución es el "que" se trasmite. El néxo,  audio visual.  Donde desde la imagen el público reafirma y complementa la emosión que la música le transfiere. Es el color cambiante, la luminosidad, el tratamiento plástico dinámico,  los contrastes susesivos, las variaciones armónicas, en fin, "la danza de la imagen". Quien nos acompaña en este caso es Prokofiev y la interpretación que hace de su música Rostropovich, con sus énfasis y matices.

Por otro lado "lo clásico" tanto en la historia de Shakespeare como en la música de Prokofiev y la concepción coreográfica "semi-clásica", de Vasiliev, dejaban totalmente fuera de lugar cualquier propuesta agiornada y/o absolutamente abstracta.
Que hacer? . La solución era resolver  "cada tema" desde un ángulo decididamente realista en cuanto a la forma pero con tratamiento plástico no realista y que en el trascurrir de la escena ( o encadenado de escenas con el mismo tema)  el realismo se fuera fundiendo, desapareciendo, transformandose acorde con la música y las situaciones dramáticas.

La idea base que se desarrollo fue a partir de la "lucha" contra la planitud de las áreas de proyección.
Es decir que la imágen proyectada tuviera "relieve", generara sensación de tres dimensiones.

Así, fué necesario "construir" ( y no dibujar) cada tema.  En un  trabajo que me llevo meses,  fuí construyendo cada escenario temático en maqueta virtual 3D.  Con absoluto detalle de escala, forma y textura pero sin color, todo se hizo (puerta, ventanas, paredes, columnas, hasta los ladrillos ó piedras,etc) con textura de relieve pero sin color (en blanco y algunos tonos de grises altos).Estas maquetas a su vez las fui iluminando con el mismo color ó colores y las mismas direcciónes de ángulo de enfoque con que la escena real se iva a iluminar.  De tal forma que por color y por sombras la futura proyección fuera cambiando simultaneamente con la luz de la escena.  Esto le confería a las imágenes un caracter de escenografía (virtual) corporea.A su vez a varias secuencias se le incorporó mediante
proyectores simulados en 3d sobre la misma maqueta iluminada, proyección de bmp con texturas (agua, papel arrugado, papel metálico, cielo con nubes, etc.) que adquirian la forma y relieve de la base arquitectural pero le conferian a esta el "no realismo" buscado.

De cada efecto se hace el render de las cámaras enfocadas y la dificultad mayor es que si se quiere cambiar algún tono o sombra, o enfatizar detalle, no es posible corregir desde el photo shop,  hay que volver al 3d studio, hacer los cambios pertinentes y volver a a realizar el render, para no perder credibilidad.

After FX de Adobe para procesar zoom en salón de fiesta, tul flotando, efectos de "enroscado" de la imagen, etc.

Y el empleo de una nueva técnica:  SDC  para la creación de videos digitales con  layers de efectos plásticos sobre secuencia de Romeo y Julieta en movimiento.

• 18 Martín PAL 1200
• 20 Martín MAC 600 
•  5  Martín MAC 2000
•  1 Elipsoidal Robert Juliat HMI 2000
•  4 Seguidores HMI

• 2 proyectores  de vídeo monotubo ELECTROHOME ROADIE a 3DLP de 12.000 Ansi Lumens con óptica a definir en cada sala. Superpuestos  que hacen un total de 24.000 Ansi Lumenes -
• 1 Mixer gráfico alta resolución SXVGA 1600 x 1280 con 6 input y monitor de control  21’’.
• 3 ordenadores XENON dual, 500 MB de ram, HD: 6 x 30 Gb escala gráfica SXVGA y software (3ds Max, After FX, Compupic Pro, SO Win 2000)
• Screen principal  20 x 10 m y 2 laterales 3.50 x 10.50 m Material:  PVC Show de Gerriets color negro

Tem sotaque russo a montagem multimídia do balé Romeu e Julieta, que estreou ontem no Teatro Municipal para uma temporada de duas semanas. Lenda viva da dança, ex-integrante do Balé Bolshoi, Vladimir Vassiliev assina a coreografia e a direção do espetáculo, enquanto o maior violoncelista vivo, Mstislav Rostropovich, responde pela direção musical.No palco, embalado pela música de Prokofiev, o Corpo de Baile do Municipal dança a história dos amantes de Verona em meio a incríveis cenários virtuais criados pelo argentino Tito Egurza. Parceiro de Rostropovich na ópera Lady Macbeth of Mtsensk, Egurza desenvolveu maquinária que ocupa uma cabine de 12 metros quadrados na platéia do teatro e projeta no palco imagens mágicas que ilustram a mais conhecida das histórias de Shakespeare. Outra inovação é o fato de bailarinos e músicos dividirem o palco, apenas em níveis diferentes.............................................

     RIO - MAIO, 2002

Quando a cortina sobe, um único foco ilumina a cabeça de Mstislav Rostropovich, no centro do palco. A imagem impactante que inaugura o espetáculo “Romeu e Julieta” sintetiza a singularidade da concepção do russo Vassiliev para o mito de Shakespeare: a música não é apenas uma peça importante, e sim o elemento central dessa versão. E a dança está lá para conferir maior visibilidade à música. “Veja a música e escute a dança”, sugeria Balanchine.  A presença da orquestra no centro do palco é apenas uma das formas de dar materialidade à idéia. Os tradicionais telões de fundo do cenário foram substituídos por projeções criadas pelo argentino Tito Egurza, que ora criam ambientações e localizam a ação dramática, ora imprimem texturas, detalhes e cores, comentando a ação.Numa estréia com o Teatro Municipal do Rio lotado até a borda, pelo menos três certezas ficaram na mente do público que aplaudiu com misto de alegria e orgulho a nova versão de “Romeu e Julieta” com orquestra e corpo de baile da casa, anteontem à noite, depois de mais de três horas de espetáculo. Roberta Marquez nasceu para viver Julieta, e Rostropovich — o maestro com seu comando perfeito da orquestra — era um espetáculo à parte.............................. E muito embora a platéia tenha respondido com longas e efusivas palmas depois do fim emocionante, nos corredores, durante os dois intervalos, opiniões totalmente diversas embalaram as conversas.  Muitos estranhavam a presença da orquestra no palco, outros discutiam a qualidade das projeções do cenário e a cor dos figurinos
Diz a mestra Tatiana Leskova, ---conhecida por seu olhar crítico e suas opiniões severas. — Achei o espetáculo interessante e diferente. A gente não pode comer sempre o mesmo prato. É preciso mudar. 
Da quantidade de novidades ninguém pôde reclamar. Nem os cultores da dança que foram lá para ver as inovações criadas por Vassiliev e muito menos os melômanos, que correram até o Municipal para chegar mais perto de um aclamado Rostropovich.
O grande diferencial desta montagem do clássico de Prokofiev está na proximidade entre os bailarinos e os músicos, que dividem o palco, lado a lado. Os cenários também são novidade: as imagens são geradas por computador. 

A bela e ousada combinação, imperdível – principalmente para quem é apaixonado pelo dramaturgo inglês, como esta escriba –, é fruto da união de dois Wrtistas russos: Mstislat Rostropovich e do bailarino e eoreógrafo Vladimir Vassiliev , e da genialidade do cenógrafo argentino Tito Egurza, um multimedia man que carrega a tiracolo seu inseparável note-book e um time de técnicos italianos.
O cenógrafo argentino Tito Egurza, responsável pelas projeções do “Romeu e Julieta Multimídia”, em cartaz no Municipal, é o que podemos chamar de “figura”. Torcedor fanático do River Plate, ele é um visionário das artes cênicas e um informata competente. De suas mãos saíram as 94 imagens que servem de pano de fundo para a tragédia shakesperiana. Ele não só passou dois anos planejando cada cena, corno foi pessoalmente a Verona fotografar prédios antigos para compor imagens. Não satisfeito, fez mágica com os dedos e chegou a amassar papel para criar texturas exóticas, que combinou com fotos.

Dono de um curriculo invejável,  Egurza passaria despercebido em meio às beldades de corpos esculpidos do balé do Municipal, mas sua presença é enigmática, até esotérica: cabelos compridos, barba por fazer e uma agitação peculiar: nunca fica parado, mesmo criando.
Antes de brilhar com “Romeu e Julieta” em Valencia, Egurza abiscoitou centenas de prêmios por seu trabalho arrojado na criação de cenários. De frente para o palco, dois projetores de última geração, levam ao cenário as imagens criadas a partir do computador de Tito Egurza.
Tudo deve ser suave para que ’ ele entenda o desenrolar dos fatos. As projeções fazem parte do cenário, mas a intenção é que elas sejam invisíveis para quem está assistindo.
O desejo de Tito Egurza, no entanto, não se concretiza, para seu desespero e deleite. É impossível não se deixar envolver pelo clima geral criado pela projeção, e a imagem de um beijo cinematográfico entre o casal, com predominância da cor azul, deixa o público boquiaberto e torcendo, sem sucesso, por um desfecho me-nos trágico.

Este "time dos sonhos" responsável pela apresentação inédita no Brasil de um evento deste porte e também pela preparação da Orquestra Sinfônica e do Ballet do Theatro Municipal que participarão desta representação da mais intensa e bela história de amor de todos os tempos. 

São inúmeros os privilégios que envolvem esta montagem a começar pela participação de Rostropovich que é reconhecido mundialmente como o artista dos superlativos por ser o mais tudo em tudo o que faz. Violoncelista, pianista e regente, nos últimos anos Rostropovich tem se dedicado a espalhar a sua arte contribuindo com produções que aliam o tradicional ambiente clássico com a tecnologia de ponta deste início de século, como na ópera "Lady Macbeth" e o ballet " Romeu e Julieta" 

Para traduzir a música em coreografia e criar uma unidade entre estes elementos - música e dança - e o cenário, foi chamado o famoso bailarino e coreógrafo Vladimir Vasiliev. Considerado o " Deus da Dança" , Vasiliev angariou ao longo da sua vida artística inúmeros sucessos de público e crítica não somente como bailarino mas também como coreógrafo e diretor artístico do grande Ballet Bolshoi da Rússia. Vasiliev colocou neste projeto toda a sua paixão pela dança e pela obra abraçando as novas possibilidades criadas pelo cenógrafo Tito Egurza utilizando os mais modernos equipamentos de multimídia. Finalizando - pela primeira vez no Brasil - temos a criatividade e a competência de Tito Egurza que utilizando tecnologia de ponta e equipamentos de ultima geração recriou Verona. Estas máquinas, somente encontradas na Europa e em quantidade limitada, foram especialmente desenvolvidas para atender as necessidades dos artistas que acompanhando a transformação do público viram a urgência em se criar novas formas de transmitir suas mensagens ao seu principal destinatário. Estes cenários virtuais fornecem uma enorme gama de possibilidades não somente aos criadores mas também aos artistas que participam do espetáculo pois todos os conceitos de contraste, brilho, equilíbrio, ritmo e ação terão que ser manejados, não mais sobre imagens estáticas mas sim sobre imagens-ações, mexendo com a nossa imaginação.